L'instant ciné

L'essai Le corps souillé, d'Éric Falardeau, s'intéresse à deux genres cinématographiques souvent méprisés (le gore et la pornographie) et plus particulièrement à ce qui les unit : l'exhibitionnisme spectaculaire des fluides corporels, qui exprime selon lui un rapport trouble, voire haineux, au corps. Leur exposition, fétichisée par le gros plan, agit comme un révélateur de la relation ambiguë que le sujet, le spectateur ou son double cinématographique (les personnages auxquels il s'identifie ou non), entretient avec son enveloppe charnelle. Le corps souillé aborde différents enjeux (anthropologiques, sociologiques et psychologiques) à travers l'analyse de la représentation des fluides corporels. Objets de dégoût et de fascination, ils sont l'expression d'une angoisse existentielle que le gore et la pornographie nous obligent insidieusement à confronter.

Dans Visions robotiques et extraterrestres. André Caron nous propose une exploration fascinante de la manière dont des réalisateurs ont utilisé des effets visuels pour illustrer la vision des robots, des cyborgs, des Intelligences Artificielles (IA) ou des extraterrestres, afin de la distinguer de celle des êtres humains. Ce concept, que l'auteur nomme « Xénopsie », nous confronte à une conscience autre qu'humaine et explore comment cette vision affecte les spectateurs qui s'abandonnent volontairement dans le regard de quelque chose d'autre, et comment elle se distingue de celle des êtres humains.

Captation de mouvement et captation de jeu, notions relativement récentes étudiées dans cet ouvrage, induisent une remise en question de la façon de faire du cinéma. Ce livre n'a toutefois pas la prétention de proposer une redéfinition du cinéma tel que nous le connaissons. Il a plutôt pour objectif de soulever des questions et de provoquer des discussions et des débats sur son état actuel, et, par la même occasion, sur son avenir. Dans cette optique, Justin Baillargeon propose de donner aux lecteurs et aux lectrices quelques outils pour alimenter leur réflexion en décrivant l'évolution constante de ces procédés, mais également en expliquant comment la captation de mouvement et de jeu a su se frayer un chemin au sein du septième art, jusqu'à devenir l'une des technologies les plus fréquemment utilisées dans le domaine des effets visuels. Enfin, pour illustrer son propos, il effectue une analyse comparative de deux films qui partagent le même univers fictif, l'un réalisé en prises de vues réelles (Tintin et le mystère de la Toison d'Or, Jean-Jacques Vierne, 1961) et l'autre en captation de jeu (The Adventures of Tintin, Steve Spielberg, 2011). Il met ainsi en évidence les situations pour lesquelles les techniques de saisie de mouvement ainsi que le cinéma virtuel sont des outils indispensables à la réalisation de certains projets.

Cet essai de Thomas Carrier-Lafleur se penche sur le cinéma de Sébastien Pilote qui a ancré ses récits dans les mêmes espaces dès ses premiers longs métrages, développant les mêmes thèmes, expérimentant les mêmes dispositifs narratifs, construisant un univers de plus en plus familier et qui pourtant se renouvelle de l'intérieur. Pour appuyer ses propos, l'auteur analyse chacun des longs métrages du cinéaste. Fortement documenté, il retrace leur genèse, à travers une lecture des scénarios et des notes préparatoires auxquelles il a eu accès. Thomas Carrier-Lafleur démontre que l'unité de la filmographie de Sébastien Pilote vient en grande partie d'une oeuvre source qui irrigue sa démarche et sa pensée : Maria Chapdelaine de Louis Hémon. Arrivé au bout d'un cycle de quatre films, Pilote nous propose en effet, avec cette nouvelle adaptation du roman, la synthèse des thèmes, des enjeux et des problématiques déjà développés dans ses films précédents. Plus que l'analyse d'une oeuvre qui reste en devenir, cet essai est surtout l'analyse d'un cycle fascinant qui nous semble d'ores et déjà essentiel dans le paysage cinématographique québécois de ces dix dernières années.

Publié à l'hiver 1818 alors que sa jeune auteure Mary Shelley n'avait que vingt ans, Frankenstein allait devenir un monument de la littérature anglaise, signaler une mutation dans le genre horreur gothique, établir les bases de la science-fiction, devenir avec Dracula l'un des deux piliers de la mythologie contemporaine liée au fantastique et engendrer plus de cent cinquante films depuis 1910. Pourtant, de toutes ces oeuvres, aucune ne semble vraiment aborder directement le thème principal du roman, ni traiter les personnages de Victor Frankenstein et du Monstre comme l'auteure les avait envisagés. Comment les scénaristes et réalisateurs ont-ils abordé Victor Frankenstein et son monstre dans ces films ? Malgré les digressions s'éloignant du roman et le glissement progressif des rôles de Victor et du monstre, quelles sont les oeuvres qui se démarquent et qui apportent des variations dignes de mention et originales ? Quelles sont les fausses adaptations qui, malgré leurs prétentions, trahissent l'esprit même du roman et les personnages sans insuffler aucune idée nouvelle ? Quels sont les films qui se distinguent dans l'histoire du cinéma ? Avec Frankenstein lui a échappé, André Caron répondra à ces questions en décortiquant une quinzaine de films qui ont contribué à alimenter le mythe de Frankenstein, sur les plans historique, thématique, cinématographique et esthétique.

Concept mouvant et polémique, le film choral présente une forme audacieuse et met en scène, de façon singulière, un monde pluriel. À bas la hiérarchie traditionnelle véhiculée par les films narratifs hollywoodiens dominants : on n'a plus affaire à un ou deux héros entourés d'adjuvants et d'opposants, mais bien à un microcosme généralement varié et nuancé, où chaque protagoniste a la même importance. Ces personnages évoluent dans des histoires relativement autonomes, qui s'entrecroisent au fil de la narration et qui sont également unies les unes aux autres. Comment s'articule, au sein d'une même oeuvre, la matière de plusieurs histoires ? Pourquoi présenter une constellation de protagonistes alors que leur saillance individuelle risque d'en souffrir ? Comment bien doser chaque histoire sans produire un manifeste moralisateur autour d'un cliché ? De quels genres le film choral se rapproche-t-il et comment s'en distingue-t-il ? Quelles raisons peuvent motiver une réalisatrice ou un réalisateur à opter pour la forme chorale, outre l'avantage pécuniaire et publicitaire de réunir une distribution en or ? Pourquoi cet engouement devient-il plus manifeste au début des années 1990 ? Cet ouvrage répondra en partie à ces questions, afin de mieux cerner le film choral dans une perspective historique, d'abord, mais également en le positionnant clairement dans un contexte récent, à la lumière des écrits sur le sujet et en retraçant ses influences.

Les femmes sont nombreuses à fréquenter les salles de cinéma ou les différentes formations préparant aux métiers du cinéma, mais elles sont pourtant encore rares à occuper les postes clés sur les plateaux de tournage. Céline Gobert et Jean-Marie Lanlo ont rencontré quelques praticiennes de notre cinématographie pour comprendre les raisons de cette faible représentativité. Leur choix s'est porté sur des réalisatrices d'horizons divers telles Chloé Robichaud (Sarah préfère la course), Sophie Deraspe (Le profil Amina), Isabelle Hayeur (La bête de foire), qui est également présidente de l'association Réalisatrices Équitables, ou Izabel Grondin (La table), qui prépare actuellement son premier long-métrage. Les deux critiques ont également convié à la réflexion Ségolène Roederer (directrice générale de Québec Cinéma), la directrice photo Jessica Lee Gagné (Boris sans Béatrice) et la productrice Nicole Robert (Québec-Montréal). Ces différents témoignages leur permettent de dresser un état des lieux du cinéma québécois au féminin, tout en donnant au lecteur des éléments lui permettant de saisir une réalité qui dépasse le seul milieu du cinéma pour toucher notre société dans son ensemble.

Martin Gignac et Jean-Marie Lanlo posent à six cinéastes représentatifs de la diversité du cinéma québécois actuel une même question : « Quel regard portez-vous sur le cinéma québécois ? » Érik Canuel, Catherine Martin, Charles-Olivier Michaud, Noël Mitrani, Kim Nguyen et Rafaël Ouellet s'expriment sincèrement et sans concessions sur un art et un milieu qu'ils connaissent parfaitement. Les discussions abordent plusieurs thèmes (forces, faiblesses, cinéphilie, formation, etc.) et montrent à quel point notre cinéma est plus complexe que ne le laissent croire les quelques échos qui filtrent dans les médias. Grâce à ces échanges vivants et francs, Martin Gignac et Jean-Marie Lanlo convient le lecteur à participer virtuellement au débat en lui donnant accès à des points de vue tour à tour complémentaires et contradictoires. Par-dessus tout, les auteurs espèrent que la lecture de leur ouvrage donnera envie au lecteur d'aller à la rencontre de films trop souvent désertés par le public.

Gilles Marsolais est l'un des critiques de cinéma les plus respectés au Québec. Il a rassemblé dans ce livre les critiques de près de 200 films du répertoire cinématographique des 25 dernières années. Chaque texte se termine par les renseignements « bibliographiques » d'usage : titre, lieu et année de réalisation, réalisateur, scénariste, photo, musique et interprètes, durée, etc.