Playlist Society

Comment l'adjectif « burtonien » est-il devenu aussi éloquent que « kafkaïen » ou « hitchcockien » ? Est-ce grâce aux héros étranges, femme-chat ou barbier sanguinaire, qui peuplent son cinéma ? À l'esthétique de ses films, aux décors biscornus, en noir et blanc ou couleurs arc-en-ciel ? Ce qui fait la signature reconnaissable entre toutes de Tim Burton est sa filiation incontestable avec le gothique. Le cinéaste américain s'empare des codes littéraires et cinématographiques du genre, décline sans relâche le mythe de Frankenstein, croise l'humain et le monstrueux pour décrire un univers machinique, dont il faut s'extraire pour survivre. Tandis que les frontiè

Découvrez pourquoi Les Simpson reste la série culte intemporelle grâce à une analyse inédite de ses 40 saisons. Plongez dans les coulisses, les paradoxes et l’impact culturel d’un phénomène télévisuel unique !

Les comédies romantiques ont longtemps été l'apanage du cinéma anglo-saxon. Mais voilà, qu'en France, une vague de jeunes cinéastes s'empare de la rom-com. Ils rangent les princes charmants au placard, s'intéressent à la routine plutôt qu'aux coups de foudre et questionnent les schémas classiques du couple. Ils font souffler un vent de fraîcheur sur les dialogues, bouleversent les situations, continuent à faire advenir des rencontres improbables. Précédé d'un essai introductif, La Rom-com à tout prix propose une série d'entretiens avec des cinéastes qui croient encore en l'amour, et qui nous donnent les clés pour le porter à l'écran, encore, et pour toujours. Avec Victor Rodenbach (Le Beau Rôle) Mourad Winter (L'amour c'est surcoté) Amélie Bonnin (Partir un jour) Alice Douard (Des preuves d'amour) Alice Vial (L'Âme idéale) Martin Jauvat (Baise-en-ville) Sophie Beaulieu (La Poupée) Sandra Onana est critique de cinéma et cheffe adjointe du service culture de Libération. Lucas Aubry est rédacteur en chef adjoint de Sofilm et auteur de Takeshi Kitano : Hors catégorie (2022) et Natalie Wood : Un jeu d'enfant (2024), tous deux publiés aux éditions Capricci. Quentin Mével est directeur artistique de l'ACRIF, auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes (Laurent Cantet, Patricia Mazuy, Sophie Fillières...) et coauteur de Mathieu Amalric, l'Art et la Matière (2017).

Avec Parasite, Bong Joon-ho a écrit une page d'histoire en devenant le premier cinéaste coréen à gagner la Palme d'or du festival de Cannes, puis lauréat des Oscars - entre autres celui du meilleur film, récompense inédite pour une oeuvre tournée dans une langue autre que l'anglais. Ce triomphe a entériné la place de Bong Joon-ho comme l'un des chefs de file de la nouvelle génération de réalisateurs coréens. Tout en tutoyant les sommets, Bong Joon-ho ne quitte pas des yeux les abîmes et ceux qui y sont relégués. Du polar Memories of Murder au film de monstre The Host, en passant par ses productions internationales Snowpiercer et Mickey 17, chacun de ses films décrit crûment un monde où les démunis sont laminés par le système économique. Dans cette vision désespérée de la société, héritée de l'histoire sanglante de la Corée et des années de dictature, les issues positives sont des chimères et le chaos règne en maître. Bong Joon-ho, désordre social raconte le parcours d'un réalisateur dont l'activisme balaye tout le spectre des problématiques sociales, et qui met sa virtuosité au service d'une conscience aiguë de la verticalité du monde. Erwan Desbois est critique de cinéma. Il appartient au comité de rédaction du site Accreds et est membre de l'International Cinephile Society. Aux éditions Playlist Society, il est l'auteur de J.J. Abrams ou l'éternel recommencement (2017), Lilly et Lana Wachoswki, la grande émancipation (2019), Hideo Kojima, aux frontières du jeu (2022) et a contribué à l'ouvrage collectif Mad Max, au-delà de la radicalité (2022).

Entretiens avec celles et ceux qui font le cinéma de genre français Ils sont cinéastes, producteurs, scénaristes, chefs opérateurs ou maquilleurs. Tous ont participé au renouveau du cinéma de genre en France depuis une dizaine d'années, au travers de films tels que Grave, Teddy, Le Règne animal, Vermines, Vincent doit mourir ou The Substance. Dans Un genre à soi, ils racontent, tour à tour, leur rapport au métier, au cinéma et à l'industrie. Les clés de fabrication confiées ici permettent de comprendre le genre, son élaboration et ses spécificités. Avec, en point d'orgue, une question : et si le nouveau cinéma de genre français était parti pour durer ? Avec Cassandre Warnauts (productrice) Ludovic et Zoran Boukherma (réalisateurs) Olivier Afonso et Frédéric Lainé (maquillage et effets spéciaux) Manuel Dacosse (directeur de la photographie) Sébastien Vanicek (réalisateur) Marc Missonnier (producteur) Coralie Fargeat (réalisatrice) Judith Beauvallet est journaliste cinéma (Écran large, Demoiselles d'Horreur...) et réalisatrice de courts-métrages. Axel Cadieux est rédacteur en chef de Sofilm et auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma. Quentin Mével est délégué général de l'ACRIF, auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes (Laurent Cantet, Patricia Mazuy, Sophie Fillières...) et coauteur de Mathieu Amalric, l'Art et la Matière (2017).

De sa trilogie culte (Totally F***ed Up, The Doom Generation et Nowhere) à sa série Now Apocalypse, Gregg Araki s'est toujours affranchi des normes génériques, formelles et sexuelles. Capable de passer, au sein d'un même film, du drame adolescent à la science-fiction apocalyptique, il met en scène les marginaux et les laissés-pour-compte du rêve américain. Créateur d'une oeuvre protéiforme, puisant ses influences dans la culture pop et le cinéma d'avant-garde, il redéfinit la question de l'identité à travers des personnages libérés du carcan d'une société conservatrice, qui exclut les individus LGBTQIA+. Portrait d'un cinéaste inclassable, Gregg Araki, le génie queer interroge l'évolution des représentations des minorités sexuelles et de genre au sein d'une industrie cinématographique qui bien qu'en apparence plus inclusive, nie pourtant leur singularité. Fabien Demangeot est docteur en Lettres modernes et en Études cinématographiques. Auteur de La Transgression selon David Cronenberg (Playlist Society, 2021), il écrit également pour la revue en ligne Le Rayon vert.

Derrière les tubes des années 1990, devenus des hymnes (« Wonderwall », « Supersonic »...) et les frasques des frères Gallagher, réputés pour leur arrogance et leur tendance à l'auto sabordage, Oasis est avant tout un groupe qui a marqué l'histoire de l'Angleterre, aussi bien pour son impact sur la Britpop, réponse anglaise au mouvement grunge, que pour ce qu'il a représenté pour toute une génération. Issus de la classe ouvrière anglaise déshéritée de Manchester, marquée par la délinquance et le chômage, les membres du groupe auront symbolisé le passage de l'inconsidération à la starification pour une jeunesse abandonnée par le thatchérisme, faisant d'Oasis une aventure tout autant musicale que sociale et politique. Entrelaçant l'histoire du groupe et celle de la politique anglaise, Oasis ou la revanche des ploucs revient sur un moment où les espoirs d'un pays se sont cristallisés autour de la musique. Benjamin Durand est documentaliste d'archives audiovisuelles et historien de formation. Il est cofondateur du magazine Voxpop. Il a vécu pendant près de dix ans en Angleterre, essentiellement à Manchester. Nico Prat est journaliste culturel. Il écrit sur le cinéma dans Rockyrama, sur la musique pour le webzine Goûte Mes Disques, et il est également la voix de Tsugi Radio. Il a travaillé par le passé pour Libération, OCS et TF1.

Diffusée entre 1997 et 2003, la série Buffy contre les vampires raconte en sept saisons le passage à l'âge adulte d'un groupe d'adolescent·es américain·es aux prises avec une multitude de démons, métaphores de leurs angoisses. Leur leadeuse, Buffy, est une Tueuse de vampires aux pouvoirs surnaturels, qui apprend à s'émanciper de toutes les formes de domination, en particulier d'un système patriarcal omniprésent. Célébrée par les fans à travers le monde, analysée par de nombreux·ses universitaires, Buffy contre les vampires a inspiré des générations de showrunners et est entrée au panthéon de la pop culture. Échappant à Joss Whedon, son créateur, Buffy Summers est devenue un symbole de réappropriation du pouvoir par les femmes. Au-delà de cette figure féminine puissante, la série revalorise les bienfaits du collectif dans notre société individualiste en crise. Buffy ou la révolte à coups de pieu explore les différentes facettes d'une série unique, qui offre des pistes de réflexion pour mieux vivre ensemble, et peut-être même sauver le monde. Marion Olité est journaliste culture pour Têtu, Madmoizelle et Elle. Elle analyse en particulier la représentation de l'adolescence, de la condition féminine et de la communauté LGBTQIA+ sur les écrans. Spécialisée dans les séries, elle a été rédactrice en chef de Konbini Biiinge.

Ils viennent de la télévision, du cinéma, du théâtre ou de YouTube. Ils ont grandi avec les films de Claude Zidi et de Judd Apatow, et les sketches des Nuls et des Inconnus. Ils renouvellent la comédie française, tout en marchant dans les pas de leurs prédécesseurs. Précédé d'une introduction, Des gens drôles propose une série d'entretiens avec des cinéastes dont les films ont l'humour pour moteur, questionnant ainsi la fabrique de la drôlerie à l'écran. Avec : Michel Hazanavicius (OSS 117, The Artist, Coupez !...) Sophie Letourneur (Énorme, Voyages en Italie...) David Marsais pour Le Palmashow (La Folle Histoire de Max et Léon, Les Vedettes...) Émilie Noblet (Parlement, Bis repetita...) Jean-Pascal Zadi (Tout simplement noir...) Judith Davis (Tout ce qu'il me reste de la révolution...) Florent Bernard (Suricate, Nous, les Leroy...) Postface de Martin Jauvat (Grand Paris) Lucile Commeaux est journaliste (France Culture, Libération, Cahiers du cinéma). Adrien Dénouette est réalisateur et auteur d'essais sur le cinéma. Quentin Mével est délégué de l'ACRIF, réalisateur et auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes. Guillaume Orignac est réalisateur et auteur d'essais sur le cinéma. Théo Ribeton est critique cinéma (Les Inrockuptibles, Libération, Première).

Quatre amis discutant de tout, et surtout de rien : à partir de cette simple formule, Jerry Seinfeld et Larry David ont façonné la série Seinfeld, qui durant neuf saisons récoltera récompenses et louanges, au point de devenir la sitcom la plus lucrative de l'histoire de la télévision américaine. Jerry Seinfeld y interprète son propre rôle, celui d'une vedette de stand-up, qui passe le plus clair de son temps à disséquer l'absurdité de la vie avec son groupe d'amis. Traversée de manière souterraine par les angoisses existentielles de ses auteurs, Seinfeld se faufile dans les interstices du quotidien pour dévoiler les vérités cachées sous l'apparente vanité des échanges. Seinfeld, fini de rire explore cette noirceur à travers la part d'ombre des personnages de la série, le tourment de leur non-existence, leur rapport au vide, à la maladie et à la mort. Autrement dit, l'art de faire rire pour ne pas pleurer. Hendy Bicaise est critique de cinéma. Il est le cofondateur du site Accreds.fr, coauteur de l'ouvrage Contes de l'au-delà, le cinéma de M. Night Shyamalan (Éditions Vendémiaire, 2015) et auteur de l'essai Le Réalisme magique du cinéma chinois (Playlist Society, 2022).

Los Angeles, 1993. Le label indépendant Bong Load publie « Loser », un morceau hybride, aux paroles absurdes, combinant rap, blues et country. Le titre deviendra un succès planétaire, qui placera au centre de la scène rock indépendante son créateur : Beck. D'apparence nonchalante, adepte des mélanges les plus fous, Beck s'affirme comme un musicien versatile puisant son inspiration autant dans le folk et les classiques du blues, que dans l'art contemporain et ses performances. En quatorze albums, Beck a développé un style à part dans l'industrie musicale, alliant technologies de pointe et artisanat, chanson et hip hop, le tout parsemé de collaborations variées avec les Dust Brothers, Nigel Godrich, Charlotte Gainsbourg, Pharrell Williams ou encore Thurston Moore. Beck, des palmiers dans l'espace est une exploration des multiples facettes de l'artiste à l'aune d'une réflexion sur sa ville natale : Los Angeles. Enfant des quartiers déshérités de la ville, Beck n'a cessé d'insuffler à ses morceaux une analyse fine des réalités sociologiques de la cité. Pauline Guedj est anthropologue et journaliste, maîtresse de conférences à l'Université Lumière Lyon 2 et affiliée au laboratoire d'anthropologie des enjeux contemporains. Elle est notamment l'autrice de Louis Malle, Regards sur l'Amérique (Ovadia, 2020) et de Steven Soderbergh, anatomie des fluides (Playlist Society, 2021).

Bret Easton Ellis, icône sulfureuse et écrivain rock star, a marqué la littérature par son audace et ses provocations.

Nike, Levi's, Carglass, Mikado, Evian, autant de marques dont les films publicitaires constituent des très courts-métrages de fiction, que l'on peut analyser comme tels, à travers leurs choix de mise en scène, la grammaire particulière qu'ils déploient, et leur inscription dans les genres cinématographiques, du thriller à la comédie musicale. Réalisés par des spécialistes de la pub ou par de grands cinéastes - de Etienne Chatiliez à Quentin Dupieux, de Tony Scott à John Woo -, les films publicitaires nourrissent l'oeuvre et la filmographie de leurs auteurs. Bien que soumis aux contraintes de leurs commanditaires, ces objets audiovisuels font preuve d'une liberté hors norme, au niveau de leur ton, de leur esthétique et de leurs expérimentations. Le Film publicitaire, chef-d'oeuvre est une plongée dans ce monde foisonnant, où les images, qu'il s'agisse d'une pub télé, d'une bande-annonce pour un long métrage, d'un clip vidéo, ou d'un générique de série, sont destinées à faire la promotion d'autre chose qu'elles-mêmes, pour finalement s'émanciper et se révéler comme de véritables chefs-d'oeuvre, dissociés de leur sujet originel. Luc Chomarat est écrivain. Il a reçu en 2016, le Grand prix de littérature policière pour Un trou dans la toile (Rivages/Noir) et le Prix Transfuge du meilleur livre de cinéma en 2022 pour L'Invention du cinéma (Marest). Il a travaillé comme concepteur-rédacteur en agence de publicité, notamment pour les groupes DDB, Euro RSCG et Ogilvy. Son dernier roman, Le Livre de la rentrée, est sorti à la Manufacture de livres en 2023.

Découvrez l’envers du décor d’un des plus grands auteurs du roman noir français : Hervé Le Corre, mélancolie révolutionnaire plonge au cœur de ses inspirations, de ses combats et de sa vision d’un monde en crise.

Préface de Lloyd Chéry De son surgissement, incarné par Mel Gibson, à sa renaissance, portée par Tom Hardy et Charlize Theron, la saga Mad Max a traversé pied au plancher quatre décennies de cinéma. Peuplée de formes hybrides, elle se nourrit de mutations successives, passant du film fauché au spectacle total, du nihilisme à la fragile lueur d'espoir. Chacun des quatre films remet les compteurs à zéro et réinvente la saga. Pour nous alerter sur les catastrophes écologiques et sociales à venir, ils transforment les voitures en monstres. Elles consument les hommes, deviennent un prolongement de leurs chairs, un substitut de leurs âmes. Dopés à l'adrénaline, noircis par la hantise de la dévastation, les Mad Max soulignent l'influence destructrice des hommes sur le monde. Mad Max, au-delà de la radicalité est une plongée dans l'oeuvre phare de George Miller, créateur lucide et ambitieux, qui espère prendre les hommes de vitesse pour ouvrir une voie vers un futur vivable. Nico Prat, Manouk Borzakian, Alexandre Mathis, Elise Lépine et Erwan Desbois font partie du collectif Playlist Society. Lloyd Chéry est le fondateur du podcast C'est plus que de la SF.

Cannes, 1989. Steven Soderbergh reçoit la Palme d'or à Cannes pour son premier long-métrage, Sexe, mensonges et vidéo. Trente-cinq films et quatre saisons de séries plus tard, il est devenu une figure incontournable de l'audiovisuel américain. Prolifique, audacieux, Soderbergh brouille les pistes, enchaînant blockbusters (la trilogie des Ocean's, Erin Brockovich, Contagion...) et films intimes (Bubble, Girlfriend Experience...). Il est à l'avant-garde des essais techniques en matière de captation numérique et des innovations économiques pour la production et la diffusion des films. Réalisateur, chef opérateur, cadreur, monteur, producteur et parfois scénariste, il redéfinit les processus de fabrication d'une oeuvre. Steven Soderbergh, anatomie des fluides brosse un portrait de l'artiste et capture les thématiques qui traversent sa carrière. Explorant le temps, les espaces et les corps, Soderbergh est un observateur du monde contemporain et des mécanismes qui le régissent. Pauline Guedj est anthropologue et journaliste, maître de conférences à l'université Lumière Lyon 2 et collaboratrice à l'hebdomadaire Politis. Elle est l'autrice d'articles et d'ouvrages sur les cultures africaines-américaines, ainsi que de Louis Malle, Regards sur l'Amérique (Ovadia, 2020). Elle vit actuellement aux États-Unis.

C'était d'abord un choix pratique : personne ne voulait produire leurs films. Alors Hayao Miyazaki et Isao Takahata, aidés de Toshio Suzuki, ont fondé ensemble le studio Ghibli. Depuis, ils ont enchaîné les succès, de Princesse Mononoké à Pompoko, du Tombeau des Lucioles au Voyage de Chihiro. Leurs personnages, comme Totoro et Porco Rosso, sont devenus emblématiques, et les oeuvres du studio ont marqué des générations entières de fans à travers le monde, comme si Ghibli était un équivalent japonais de Disney. Bien plus qu'une marque et au-delà d'une simple usine à rêves, Ghibli offre avant tout une vision d'un monde idéal, fondé sur l'écologie, le féminisme, l'ingénierie et les croyances magiques. Un monde parfait selon Ghibli explore les histoires créées par le studio, les décortique, en les mettant en perspective avec la carrière de leurs créateurs, avec en toile de fond une question lancinante : Ghibli survivra-t-il à la retraite de ses fondateurs ? Alexandre Mathis fait partie du collectif Playlist Society et écrit chez Revus & Corrigés. Il est l'auteur de Terrence Malick et l'Amérique (Playlist Society, 2015).

Créée par le scénariste et producteur britannique Jesse Armstrong, la série Succession (2018-2023) dresse le portrait de Logan Roy, 80 ans, homme d'affaires à la tête d'une multinationale des médias. Aussi brutal avec ses collaborateurs qu'avec ses quatre enfants, Logan Roy déploie un jeu cruel inspiré du Roi Lear de Shakespeare : mettre sa progéniture en concurrence afin de désigner son héritier. Sous la satire des ultra-riches et la critique inquiète de la société du spectacle comme des dérives de la démocratie américaine, Succession élabore une impressionnante généalogie de la violence, suggérant que les souffrances, humiliations et traumatismes vécus se transmettent inexorablement d'une génération à l'autre. Succession, la violence en héritage explore les failles de cette impitoyable famille dysfonctionnelle de milliardaires new-yorkais, pour révéler la psyché complexe de chacun de ses membres et la manière dont la violence circule dans notre monde. Ariane Nicolas est journaliste à Philosophie magazine.

Originaire du sud des États-Unis, Vic Chesnutt est l'un des grands représentants de la scène musicale folk des années 1990 et 2000. À 18 ans, il survit à un accident de voiture qui le laisse paraplégique, et l'oblige à trouver une manière unique de faire de la musique. Découvert par Michael Stipe, le chanteur du groupe R.E.M., il est à la tête d'une discographie sensible, centrée sur la vulnérabilité et la bêtise humaine, en particulier la sienne. Sombre mais emplie d'humour et d'ironie, son écriture marche dans les pas des textes de Flannery O'Connor et William Faulkner. Toute sa vie, Vic Chesnutt flirtera avec la mort. Maintes fois sauvé par sa femme ou ses amis, il succombera à une overdose de tranquillisants le 25 novembre 2009, à l'âge de 45 ans. Il laisse derrière lui une oeuvre dense, authentique et à fleur de peau. Vic Chesnutt, le calme et la fureur retrace cette existence dévorée par l'addiction, mais toujours en quête d'une échappatoire. Thierry Jourdain est le fondateur du collectif Equilibre Fragile et de la revue papier du même nom, consacrée à la musique, la photographie et la littérature. Il joue dans le groupe indie rock My Silly Lifestyle, et est l'auteur de plusieurs essais sur la musique, dont Elliott Smith : Can't Make A Sound (Le Mot et le reste, 2018), Dominique A : La Fossette (Densité, 2021) et R.E.M. (Le Boulon, 2022).

Bi Gan, Diao Yinan, Jia Zhang-ke... La nouvelle génération de cinéastes chinois forge des oeuvres mutantes. Animés par des interrogations sociales, bouleversés par l'avènement du numérique et les possibilités offertes par la technologie, ils proposent des films aux confluents du réel et de l'imaginaire. L'incroyable surgit souvent quand on ne l'attend pas, à l'image d'un immeuble qui décolle telle une fusée dans Still Life ou d'un train défilant au beau milieu d'un appartement dans Kaili Blues. En outre, les rencontres de l'homme et de l'animal, du passé et du présent, de l'ombre et de la lumière modèlent elles aussi un cinéma reposant sur l'entrechoc et la rupture. Le Réalisme magique du cinéma chinois propose de définir l'essence de cette nouvelle vague. En marge de blockbusters nationaux standardisés, lissant en cela la production à grand budget d'Est en Ouest, la nouvelle garde du cinéma d'auteur chinois réinvente en mode lo-fi un plaisir cinéphile inestimable : croire à l'incroyable. Hendy Bicaise est critique de cinéma. Il est le cofondateur du site Accreds.fr et coauteur de l'ouvrage Contes de l'au-delà, le cinéma de M. Night Shyamalan (Editions Vendémiaire, 2015).

En 2008, Laurent Cantet reçoit des mains de Sean Penn la Palme d'or à Cannes pour son film Entre les murs, qui suit le quotidien d'une classe de 4e dans un quartier difficile. Le cinéaste y observe les relations au sein d'un groupe et la circulation de la parole, de façon joyeuse et complexe. Les films de Laurent Cantet abordent des questions politiques et sociales brûlantes, lui conférant une place centrale dans le cinéma français. Il filme les acteurs et les actrices ensemble et élabore ainsi une dialectique extrêmement précise et sensible entre individus et groupe. De Ressources humaines (2000) à Arthur Rambo (2021), il observe la société droit dans les yeux, sans donner de leçon, offrant des clefs pour comprendre le monde moderne dans toute sa complexité. Composé d'un essai introductif et d'un entretien, Laurent Cantet, le sens du collectif interroge l'oeuvre d'un cinéaste en quête d'utopies collectives. Marilou Duponchel est critique de cinéma aux Inrockuptibles et chez Trois Couleurs. Elle fait partie du comité de sélection long métrage de la Semaine de la Critique du Festival de Cannes. Quentin Mével est délégué général de l'Acrif et auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes (Noemie Lvovsky, Cédric Kahn, Arnaud et Jean-Marie Larrieu, Frederick Wiseman, Valérie Donzelli, Lucas Belvaux...). En 2017, il a coréalisé, avec André S. Labarthe, Mathieu Amalric, l'Art et la Matière.

Zombies, extraterrestres, holocauste nucléaire, robots androïdes, disparitions mystérieuses et virus exterminateurs sont révélateurs de la grande peur des États-Unis : la chute de la nation. Les catastrophes et le « monde d'après » hantent les séries télévisées américaines, surtout depuis les attentats du 11 septembre 2001. The Walking Dead, Battlestar Galactica, The Leftovers, The 100 : ces versions du cataclysme, ces mises en scène de la survie rejouent, chacune à leur façon, l'Histoire américaine, sa violence, ses ruptures, ses conquêtes et ses frontières, et lui offrent une catharsis. En banalisant les images de la catastrophe, les séries post-apocalyptiques habituent les gens au spectacle du « pire », sans pour autant les confronter aux menaces réelles que connaît la Terre aujourd'hui, du réchauffement climatique aux désastres industriels. Car comme le démontre Apocalypse Show, quand l'Amérique s'effondre, les États-Unis préfèrent imaginer la fin du monde plutôt qu'envisager la fin du capitalisme. Anne-Lise Melquiond est l'autrice d'une thèse intitulée « Apocalypse et fin du monde dans les séries télévisées américaines ». Elle enseigne l'histoire et la géographie. Apocalypse show, quand l'Amérique s'effondre est son premier essai.

Dès la naissance du cinéma et le court-métrage Le Christ marchant sur les flots de Georges Méliès (1899), les cinéastes se sont emparés des sujets religieux, et plus spécifiquement de la question des miracles. Dans de grandes fresques hollywoodiennes, telles que Les Dix Commandements (Cecil B. DeMille, 1956) ou Ben-Hur (William Wyler, 1959), le miracle constitue l'apothéose qui associe la sidération des spectateurs à un émerveillement religieux. D'Ordet (Carl Theodor Dreyer, 1955) à L'Apparition (Xavier Giannoli, 2018) en passant par Bruce tout-puissant (Tom Shadyac, 2003), le phénomène miraculeux a connu une multiplicité d'évocations, au cinéma et dans les séries. C'est à chaque fois une expérience-limite qui fait s'opposer l'invisible et le visible, la folie et la raison, le bien et le mal. Par la mise en scène, le miracle peut être sublimé, dénoncé comme supercherie, ou au contraire trouver une dimension nouvelle. Cinémiracles, l'émerveillement religieux à l'écran explore les modes de représentation du miracle, au croisement des questions esthétiques et spirituelles Timothée Gérardin est critique de cinéma. Il est le fondateur du blog Fenêtres sur cour et l'auteur de Christopher Nolan, la possibilité d'un monde (Playlist Society, 2018).

Cinéaste des pas de côté, Sophie Fillières est l'autrice d'une oeuvre intense et personnelle, mêlant gravité et légèreté. De Grande Petite à Ma vie ma gueule, la cinéaste compose des comédies sensibles, intimes et romanesques, en multipliant les chemins de traverse, toujours curieuse de l'éventail des possibles offerts par l'existence humaine. Dans ses films aux dialogues ciselés et à la mise en scène précise, ses personnages féminins - incarnés par Judith Godrèche, Agnès Jaoui, Sandrine Kiberlain, Hélène Fillières, Emmanuelle Devos, Chiara Mastroianni, Agathe Bonitzer... - avancent dans la vie sur un fil, avec assurance et fragilité. Constitué d'une introduction, d'un long entretien avec la cinéaste et d'une conversation avec ses proches collaborateurs, Sophie Fillières, l'endroit de l'envers explore l'univers d'une oeuvre qui magnifie les quiproquos et valorise chaque détail pour faire briller la vie. Charlotte Garson est critique et rédactrice en chef adjointe aux Cahiers du cinéma. Quentin Mével est délégué de l'ACRIF, réalisateur et auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes. Dominique Toulat est directeur-programmateur du cinéma de La Ferme du Buisson.

De ses duos avec Ginger Rogers dans les années 1930 aux comédies musicales en Technicolor des années 1950, Fred Astaire a révolutionné la danse au cinéma. Prodige de la scène depuis son enfance, inspiré par les numéros de claquettes des danseurs africains-américains, il s'affirme à Hollywood comme chorégraphe et réalisateur de ses séquences dansées. Avec son style hypnotique défiant les lois de la gravité, Astaire fait de la danse une parade amoureuse qui donne vie à ses personnages, à ses partenaires et aux objets qui les entourent. Fred Astaire, la haute société du spectacle est un voyage à la découverte des inventions d'un illusionniste facétieux. Alors que sa carrière épouse les promesses d'un capitalisme enchanteur, Astaire joue avec son image et présente à l'industrie du divertissement un miroir déformant. Timothée Gérardin est critique de cinéma. Il est l'auteur de Christopher Nolan, la possibilité d'un monde (Playlist Society, 2018) et Cinémiracles, l'émerveillement religieux à l'écran (Playlist Society, 2020).

Cinéaste, écrivain, dramaturge, metteur en scène de théâtre et d'opéra, Christophe Honoré compte parmi les artistes français les plus singuliers de son époque. De son premier film, 17 fois Cécile Cassard, à l'autofiction Plaire, aimer et courir vite, il fait dialoguer l'intime et l'universel, et décline son amour pour la création artistique sous une multitude de formes. Son travail se nourrit de nombreuses influences, notamment de la Nouvelle Vague, ainsi que de sa complicité avec ses acteurs fétiches et le musicien Alex Beaupain. Observateur des moeurs modernes et des sentiments, attaché à la représentation des corps, il met en scène des personnages en quête d'affranchissement. Christophe Honoré, les corps libérés retrace le parcours de cet artiste qui interroge notre place dans le monde et dans le temps, tout en cultivant sa mythologie personnelle. Mathieu Champalaune est journaliste et critique de cinéma, de littérature et de théâtre. Il fait partie de la direction éditoriale de la revue de cinéma Répliques.

Livre collectif sous la direction d'Axel Cadieux avec Benoit Marchisio, Hugues Derolez, Linda Belhadj et Julien Abadie. Suivi d'un entretien exclusif avec le cinéaste. Paul Verhoeven est insaisissable. Tour à tour qualifié de misogyne et féministe, fasciste et libertaire, vendu aux sirènes d'Hollywood, puis artiste sauvage et intenable, le cinéaste trace son propre sillon, pulvérisant de l'intérieur les codes des genres qu'il se réapproprie. La puissance manipulatrice de l'image est au coeur de son cinéma : qu'il traite des systèmes politiques qui écrasent les individus, de la place de la femme au sein de nos sociétés ou du devenir du corps humain face à la technologie, ses procédés retors et l'ambiguité de son message donnent à ses films une portée subversive hors du commun. De Basic Instinct à Elle en passant par Starship Troopers, son oeuvre n'a cessé, depuis plus de quarante ans, de susciter controverses et fascination. Axel Cadieux est journaliste pour Sofilm, Society, Arte et Ciné+. Il est également l'auteur de plusieurs essais sur le cinéma : Une série de tueurs (Capricci, 2014), Contes de l'au-delà : Le cinéma de M. Night Shyamalan (Vendémiaire, 2015), L'horizon de Michael Mann (Playlist Society, 2015) et prépare des ouvrages sur la chaîne HBO et sur la série Twin Peaks ; Benoit Marchisio est journaliste pour Sofilm. Il prépare un ouvrage sur la maison de production Propaganda ; Hugues Derolez suit actuellement un cursus à la Femis, spécialisé dans les séries TV. Il a dirigé le livre Contes de l'au-delà : Le cinéma de M. Night Shyamalan ; Linda Belhadj, installée à Londres, est journaliste cinéma et tient le blog Almost Kael ; Julien Abadie, installé à Montréal, est journaliste économique, anciennement critique de cinéma.

Édition augmentée 2021, incluant Tenet au corpus Il aura fallu moins de vingt ans à Christopher Nolan pour passer du statut de jeune espoir du cinéma indépendant à celui de grand auteur américain. Après s'être fait connaître avec Following et Memento, Nolan a renouvelé le personnage de Batman au cinéma, à travers la trilogie Dark Knight, et bénéficie, depuis le succès d'Inception, d'une liberté créative sans équivalent dans l'industrie hollywoodienne. Pris dans des intrigues souvent complexes, les personnages de Christopher Nolan ont en tête une idée pourtant simple : celle de comprendre le monde. Car celui-ci ne va pas de soi : morcelé, sensoriel, virtuel, trop vaste ou trop réduit, il échappe à l'entendement et reste sans cesse à redécouvrir ou à réinventer. Christopher Nolan, la possibilité d'un monde analyse l'oeuvre paradoxale d'un illusionniste qui cherche la vérité et d'un réalisateur intimiste qui s'épanouit dans le grand spectacle.

En cinquante ans et plus de 40 films, Frederick Wiseman s'est imposé comme un maître du documentaire, observant sans relâche le fonctionnement quotidien des institutions. Muni de son micro et accompagné de son cameraman, il a su extraire des situations observées leur substance tragique, voire même leur drôlerie paradoxale. D'une prison psychiatrique à un lycée, d'un hôpital à une bibliothèque, il a dressé une cartographie de tous ces lieux où se structure la société américaine. Frederick Wiseman, à l'écoute, composé d'un essai et d'un entretien au long cours, aborde quelques-unes des oeuvres majeures du réalisateur. De la préparation au montage, en passant par le financement et le tournage, ce livre permet de plonger avec le cinéaste, étape par étape, dans la fabrique de ses films, dont l'inoxydable modernité inspire les plus grands, de Martin Scorsese à David Simon.

Patricia Mazuy est une cinéaste singulière dans le paysage cinématographique français. Après un parcours atypique, qui l'amène à devenir monteuse pour Agnès Varda, elle s'impose sur les écrans en 1989 avec Peaux de vaches, western rural, centré sur les motifs de la bascule et du déraillement. Mélangeant les genres avec finesse, ses films, comme Saint-Cyr (2000) et Paul Sanchez est revenu ! (2018), offrent des personnages passionnés, ancrés dans un territoire, une classe sociale ou des paysages. Sauvages par nature, ils échappent aux conventions et suivent des trajectoires d'émancipation, tels des animaux cherchant à se libérer du joug de l'homme. Composé d'un essai introductif et d'un entretien, Patricia Mazuy, l'échappée sauvage vous emmène sur les pas d'une réalisatrice qui traverse son époque au galop. Gabriela Trujillo est l'autrice de l'essai Marco Ferreri, le cinéma ne sert à rien (Éditions Capricci, 2021) et du roman L'Invention de Louvette (Verticales, 2021). Elle dirige actuellement la Cinémathèque de Grenoble. Séverine Rocaboy est directrice du cinéma Les Toiles à Saint-Gratien, et une des autrices de Frederick Wiseman, à l'écoute (Playlist Society, 2017). Quentin Mével est délégué général de l'Acrif et auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes. En 2017, il a coréalisé, avec André S. Labarthe, Mathieu Amalric, l'Art et la Matière.

Figure majeure du jeu vidéo depuis bientôt quarante ans, Hideo Kojima a dès sa première création, Metal Gear, initié un genre entier, le jeu d'infiltration, qu'il réinventera sans cesse dans les épisodes suivants, les Metal Gear Solid. Sorti avant la crise du COVID-19, son dernier jeu, Death Stranding ne ressemble à rien de connu, tout en résonnant pleinement avec notre présent : le joueur y incarne un livreur bravant un environnement devenu toxique, afin d'apporter leurs colis à des humains terrés dans des bunkers connectés. Alimentées par sa culture filmique et littéraire, les oeuvres de Hideo Kojima ébranlent le joueur, le poussent à s'investir émotionnellement et mentalement. Hideo Kojima, aux frontières du jeu est une plongée dans un univers adulte et complexe, aux procédés à la fois spectaculaires et expérimentaux, qui questionnent notre place face au jeu et notre positionnement social, tout en brisant les barrières entre mondes réel et virtuel, cinéma et jeu vidéo, rire et tragédie. Erwan Desbois est critique de cinéma. Il appartient au comité de rédaction du site Accreds et est membre de l'International Cinephile Society. Aux éditions Playlist Society, il est l'auteur de J.J. Abrams ou l'éternel recommencement (2017), Lilly et Lana Wachoswki, la grande émancipation (2019) et a contribué à l'ouvrage collectif Mad Max, au-delà de la radicalité (2022).

Avec ses longs-métrages - La Raison du plus faible, 38 Témoins, Chez nous... - Lucas Belvaux s'inscrit dans une tradition cinématographique réaliste et sociale. Le cinéaste belge interroge nos démocraties modernes sous plusieurs angles : la responsabilité individuelle, la place de la justice, la montée de l'extrême droite, ou encore la fin du monde industriel et son corollaire, le chômage de masse. Derrière un propos d'une grande cohérence, chaque film explore un genre différent. On passe ainsi de la comédie à la romance, du polar à la chronique judiciaire, de la tragédie au réalisme politique Au plus près des difficultés rencontrées par ses personnages, ses oeuvres possèdent une approche documentaire. Le nord de la France et la Belgique constituent ces principaux décors et plongent ses histoires dans une réalité post industrielle, populaire et poétique. Composé d'un essai introductif et d'un entretien, La Mécanique Lucas Belvaux explore une filmographie à l'image de la complexité de nos sociétés contemporaines. Quentin Mével est délégué général de l'Acrif et auteur de plusieurs livres d'entretiens avec des cinéastes (Noemie Lvovsky, Cédric Kahn, Arnaud et Jean-Marie Larrieu, Frederick Wiseman, Valérie Donzelli...). En 2017, il a coréalisé, avec André S. Labarthe, Mathieu Amalric, l'Art et la Matière. Louis Séguin est journaliste et critique de cinéma. Il a écrit pour les magazines Transfuge, Trois Couleurs et Chronic'art, avant d'intégrer la rédaction des Cahiers du cinéma en 2014. Il a coréalisé un moyen métrage avec Laura Tuillier (Les Ronds-points de l'hiver, 2016), et réalisé deux courts métrages (Saint-Jacques - Gay-Lussac, 2018, et Bus 96, 2019).