EDITIONS MF

Nekroprem, une entreprise tentaculaire, étend son contrôle sur tous les aspects du quotidien : le logement, le travail, le divertissement et la mort. Toute personne qui a signé un contrat avec Nekroprem voit sa fin de vie automatiquement gérée par l'entreprise qui stocke les morts dans la Nekrozon où ils sont exploités. Face à cette mainmise totale sur la vie et la mort, des révoltes ont eu lieu qui ont réussi à mettre en place des zones autonomes, les communs. Au début du récit, trois personnages, Capt'hain, Hyène, Batmale, tentent une nouvelle fois d'abattre la Nekrozon.

Irène est un portrait. Dans ce portrait il y a trois femmes, trois voix qui s'écoutent, s'enchevêtrent, se confondent. Irène est une rencontre. Qui n'aurait pas eu lieu sans la mort de l'une des trois déchirant brutalement un quotidien tissé avec précautions et amour. Irène est une amitié, chaque amitié a son écriture propre. À la mort de sa fille, la douleur d'Irène est telle que ce qu'il lui reste de vie est porté à un degré maximal d'intensité. Incandescence. Elle n'a pas le choix. L'ordinaire n'est plus respirable. La narratrice se trouve sur le chemin d'Irène et l'assiste. Elle assiste. L'âge n'a plus d'importance. La vie d'Irène cherche son souffle ailleurs. Dans des endroits d'elle- même qu'elle ne s'était pas autorisée à faire exister jusqu'alors, dans un désir de chant inspiré par sa fille et qui irrigue ce livre. Ce livre est une boucle. Peut-être devrait-il commencer là où il s'achève.

Qu'est-ce qui fait se dire à un auditeur qu'il est en train d'écouter une histoire ? Tissera-t-il un lien affectif aussi fort avec ce récit musical qu'avec un livre ou un film ? Au-delà des paroles, quels facteurs sonores peuvent encourager un rapport narratif à la musique ? The Tune Will Come To You At Last, entre musicologie et narratologie, apporte des pistes de réponses à ces questions en s'appuyant sur des témoignages de mélomanes. Que ce soit dans la quête spirituelle menée par un flûtiste dans « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin ou dans le récit engagé contre la discrimination raciale de la célèbre « Hurricane » de Bob Dylan, on entend en effet souvent les musiciens rock et folk se changer en conteurs. Il s'agit ici de comprendre comment des chansons du siècle dernier sculptent encore notre rapport à ces répertoires, en écoutant à travers les oreilles de leurs publics les histoires qui leur restent chères.

C'est le nom d'un lieu-dit de l'Essonne, « L'Ecoute s'il Pleut », qui est à l'origine de ce livre. À partir de l'archéologie de ce toponyme, l'enquête repose sur l'interrogation théorique et esthétique de la forme de perception qui se joue dans le fait d'écouter la présence ou non de la pluie, et de ce qu'il peut signifier. Au fil de la réflexion entrent en résonance certains développements de la météorologie - surtout depuis le début du XIXe siècle -, et des théories de l'écoute issues des sound studies, de la musicologie, de la théorie des médias et de la philosophie, lesquels sont mis en relation avec des figures de romans et de films à l'écoute de phénomènes météorologiques. Parallèlement aux travaux portant sur la rationalisation progressive du temps qu'il fait, l'attention de l'autrice se porte sur les pratiques mantiques et divinatoires des Anciens et la manière dont elles sont évoquées dans les textes sur l'écoute. L'Écoute s'il Pleut s'intéresse ainsi à la perception du temps qu'il fait et du temps qu'il fera pour s'attacher plus précisément à diverses expériences auditives de ce qui n'a pas encore eu lieu.

Comment naît une voix ? Comment un accent devient-il musique ? Dans ces entretiens, Georges Aperghis revient sur un parcours qui a déplacé en profondeur les frontières de la création musicale. Né à Athènes en 1945, arrivé à Paris en 1963, il traverse les mondes de la musique, de la scène et de la littérature sans jamais se fixer. De Iannis Xenakis à Mauricio Kagel, de Peter Brook à Antoine Vitez, de l'ATEM à ses grands spectacles musicaux, de "La Bouteille à la mer" à "Migrants", il raconte une vie d'expérimentations, de rencontres et de bifurcations.

Même les morts est une épopée nord-américaine et le récit d'une poursuite sans fin. Le vice-roi de la Nouvelle-Espagne confie à un ancien conquistador rangé des armes la mission de trouver et d'arrêter un prédicateur ambulant soupçonné de planter le germe de la révolte au sein des populations indiennes. Juan l'Espagnol fut soldat dans l'armée de Cortés. Juan l'Indien a été élevé par les Franciscains et s'est révélé théologien génial mais réfractaire. Juan chasse Juan, suit ses traces dans le Mexique du XVIe siècle, mais aussi dans le temps : du sud vers le nord et d'une époque à l'autre, de la chute de l'empire Aztèque au premier essai atomique dans le désert du Nouveau-Mexique et de Charles Quint à Donald Trump. Les deux Juan sont les deux faces d'une même figure irréconciliable (ou impossible) dont les métamorphoses multiples accompagnent la lente translation du pouvoir américain du centre du continent vers le nord, de la conquête espagnole à la naissance de l'empire états-unien, de la guerre par l'épée à la guerre par la bombe.

Trois Socrates est la biographie d'une oeuvre et de sa postérité, mais aussi celle d'un siècle musical, de la modernité au contemporain, à travers les évocations entremêlées de trois compositeurs francs-tireurs, le Français Erik Satie (1866-1925) et les Américains John Cage (1912-1992) et Morton Feldman (1926-1987). Revenant en détail sur les circonstances, à la fin de la Première Guerre mondiale, de la création de Socrate, chef-d'oeuvre tardif et secret du premier de ces musiciens - dont nous commémorons cette année le centenaire de la mort -, Trois Socrates y ajoute le récit de son appropriation outre-Atlantique, en deux temps ou deux époques, 1969 et 1980, par deux des créateurs le plus singuliers de l'avant- garde musicale : du "drame symphonique" de Satie, Cage en effet fit une fascinante et fascinée paraphrase, la fantomatique Cheap Imitation, que pour finir Feldman transfigurerait encore en le réinvitant dans son univers sonore. Trois oeuvres étroitement liées par des sympathies esthétiques, et les hommes qui les ont conçues, trois maîtres solitaires et leur longue amitié, réelle ou fantasmée, sont ainsi les personnages d'un texte résolument polyphonique, une manière d'invention à trois voix qui n'est peut-être qu'une chanson d'amour, fragile et et puissante tour à tour.

"Le tour, celui ouvert (par exemple) par la musique des Beatles, est un jeu où disparaît tout enjeu, un jeu où le jeu est plus grand que tout joueur et les réunit cependant dans la compréhension que la somme dépasse toujours l'addition des parties. Le tour est le voyage où la traversée a plus de sens que la destination qui aurait été préalablement fixée. Le tour est le lieu mouvant, magique et mystérieux, qui réunit tous les séparés. Le tour est un jeu qui ne se passe pas dans un monde imaginaire ou virtuel, mais précisément, immédiatement, dans celui-ci auquel s'ajoutent toutes les virtualités imaginables, tous les possibles, ainsi que tous ceux qui croisent le chemin de celui qui tourne, tous ceux que le tour peut prendre au tournant. Le tour est simplement la disponibilité qui se dit de celui qui, de ce monde, s'est dessaisi pour s'y laisser glisser. Le tour est le modus operandi des devenirs. Le tour est ce qui nous fait revenir. Le tour est l'autre nom de la générosité. Le tour est une invitation à l'amitié. ...Et le tour nous attend toutes et tous pour être joué."

Et si les oeuvres de fiction étaient l'une des réponses au sentiment de blocage face aux enjeux du réchauffement climatique ou aux leurres des régressions identitaires ? Une philofiction n'est pas une fuite hors du réel. Elle interroge tout au contraire le caractère inéluctable des futurs qui nous semblent promis. Elle nous redonne le goût du possible. À travers l'analyse des oeuvres de Becky Chambers, Octavia E. Butler, Philip K. Dick, Li-Cam ou Kim Stanley Robinson, Ariel Kyrou montre comment la fiction, en dessinant des imaginaires alternatifs, transforme notre être-au-monde et notre relation aux altérités humaines et non-humaines. La philofiction est plus qu'un récit, elle est une action qui nous enjoint à vivre et à penser autrement.

Découverte de la téléhypnose à travers le corps amoureux de la star, prolifération des doubles au moment de la création du daguerréotype, invention fabuleuse du complot cosmique dans la France de Louis-Philippe, continuation de la contamination mesmérienne dans le cadre du transfert psychanalytique , etc. L'objectif de L'Homme Électrique n'est pas d'opérer un recensement exhaustif des relations entre société et magie noire mais, en se focalisant sur les oeuvres de trois poètes capitaux ayant lutté de tout leur corps contre les sortilèges (Gérard de Nerval, Roger Gilbert-Lecomte, Antonin Artaud), de réfléchir aux tenants et aux aboutissants de cette étrange alliance. L'Homme Électrique est un voyage à travers les affaires de magie noire perpétuées contre des poètes. C'est une rhapsodie sur la manière dont la suggestion donne corps à des pratiques amoureuses, médicales, politiques et esthétiques. C'est enfin un livre sur Gérard de Nerval, premier homme à avoir mis les pieds sur cette planète dangereuse : notre époque.

Économie Eskimo a été écrit pour répondre à la question suivante : le bonheur est-il accessible aux Terriens ? Et, si oui, comment ? Dans une pratique qui allie à la fois l'expérience et le savoir, et dans lequel on sent grandir sa puissance d'affecter et d'être affecté. Dans la continuité conceptuelle et la constitution de la bulle singulière. Frank Zappa répondrait : dans la musique. Économie Eskimo est un livre sur la pensée de Zappa : un héros énigmatique dans le combat des hommes libres contre l'ignorance, la paresse et la peur. Zappa joue. Il joue presque comme on lance une bouteille à la mer : ne sachant pas, au fond, à qui il s'adresse, perdu au milieu de son ciel intérieur, son immense solitude, des notes de guitare comme une désolation et un appel, une déploration et un sourire. « La musique de Frank Zappa s'est introduite dans mon histoire autour de mes treize ans et, comme un sinueux serpent, s'est enroulée en spirale dans mon coeur pour y secréter sa goutte de venin-sève. Son trésor ? Le visage menaçant de Miss Christine Frka sur la pochette de Hot Rats, sortant de ce que je croyais être une tombe, et n'est en fait qu'une piscine vide. Ce livre est le fruit de mes noces avec cette image. »

Ce livre rassemble des textes écrits sur une période d'une vingtaine années, récents et inédits ou plus anciens, édités mais non disponibles. Il témoigne d'une recherche que Daniel Deshays a mené durant quarante années dans des réalisations sonores effectuées au théâtre, dans la musique et pour le cinéma. Ces réflexions interrogent une donnée commune à tous ces champs : l'écoute. L'écoute, au coeur de la relation établie entre auteur et auditeur préside à la confection de tout objet audio, théâtral ou audiovisuel. Elle est le lieu même du partage du sensible. L'ouvrage livre au lecteur les arcanes de ce dont il n'a que très peu conscience dans ses relations quotidiennes avec le sonore du monde. C'est une approche critique acquise lors des confections sonores d'une grande diversité de créations et pensée depuis cet axe de création et non de la simple analyse des objets achevés. Ce n'est aucunement un ouvrage technique, il se tient plutôt du côté du sensible, dans ces rapports entre l'oeuvre, sa réalisation, l'auditeur et le monde. Il interroge les modalités de confection des représentations : qu'est-ce que représenter avec le sonore ? Il tente de fonder une mise en conscience de cet "objet son" qui hors de l'aspect de ses nuisances passe à côté de nous tous comme un objet inconscient, fantomatique. C'est par la désignation des variables internes aux oeuvres sonores - le plus souvent issues du cinéma - autant que des processus de constructions artistiques que la révélation de l'ampleur du sujet s'échafaude.

Le jazz, qui apparaît comme un phénomène esthétique majeur du xxe siècle, a pourtant été délaissé par la philosophie qui en a été contemporaine. Ce désamour de la philosophie à l'égard du jazz se mesure à deux niveaux : d'une part à la rareté des écrits philosophiques qui lui sont consacrés, d'autre part à la dureté du traitement qui lui a été généralement réservé. Mais alors, quel sens donner à ce silence « philo-phonique » à propos du jazz ? Pourquoi les philosophes contemporains du siècle du jazz ne se sont-ils jamais véritablement intéressés à sa dimension esthétique ? Et pourquoi n'ont-ils pas davantage porté attention à ses revendications politiques, alors même que celles-ci ont donné lieu à de vifs débats dans les années 1960-1970 ? L'objectif de cet essai ne consiste pas à exposer des éléments conceptuels sur lesquels on pourrait faire reposer une philosophie du jazz, mais plutôt à faire émerger le sens philosophique de ce « rendez-vous manqué » entre le jazz et la philosophie. La philosophie, face au jazz, semble devoir se confronter à ce qui lui échappe : l'ampleur des processus de dénégation mis en place par certains auteurs pour ne pas le prendre en considération semble témoigner du fait que le jazz résiste bel et bien à son appréhension philosophique.

L'oeuvre du compositeur nord-américain Alvin Lucier (1931-2021) se distingue par sa singularité dans le paysage de la création sonore. Éloignées des préoccupations compositionnelles de ses contemporains, ses oeuvres se consacrent toutes à une même étude, celle de l'activité vibratoire des ondes sonores et des multiples phénomènes qui en résultent : écho, diffraction, onde stationnaire, résonance, battement acoustique, etc. Chaque composition ou installation sonore est l'occasion d'examiner patiemment tel ou tel phénomène, de le dévoiler à l'écoute, afin de mieux en saisir la prégnance quotidienne et d'en cerner les propriétés spatiales. Mais au-delà de l'observation esthétique des phénomènes, une telle écoute des mouvements ondulatoires conduit in fine à une double expérience : celle inextricable d'un dehors et des relations constitutives de la perception. Ce livre réunit un ensemble d'entretiens avec Matthieu Saladin où Lucier revient sur son parcours de compositeur, ses années de formation, les enjeux esthétiques de son oeuvre, sa pratique de l'écoute, son rapport à l'expérimentation sonore ou encore son travail d'enseignant. Ils sont précédés d'un essai introductif mettant au jour l'originalité d'une position artistique où la réflexivité perceptive devient la promesse d'un rapport renouvelé au monde.

Analysant la musique, la littérature, et la peinture Afrofuturiste (Sun Ra, P-Funk, Wangechi Mutu), la confrontant aux enjeux contemporains de l'écologie et de la racialisation, ce livre montre comment l'Afrofuturisme peut nous soigner du triple rejet constitutif de l'Anthropocène. Premièrement, le rejet des non-humains, au profit d'un fétichisme de l'Humain qui sous-tend la Sixième extinction de masse des espèces. Deuxièmement, le rejet du cosmos, qui réduit la Terre à un espace confiné, détaché de l'univers. Troisièmement, le rejet de la personne Noire, car l'Anthropocène est un projet qui s'est fondé dans l'esclavage et la colonisation. Ce que nous propose l'Afrofuturisme est une nouvelle image du cosmos, où la Terre serait reliée à la puissance du soleil comme à l'obscurité insondable de l'univers. Cette nouvelle relation au cosmos exige que nous changions la fonction de la technologie, qui n'est vue que comme source de possibilités - pouvoir maîtriser les forces terrestres, pouvoir contrôler les êtres humains, et pouvoir exploiter les non-humains. À ces possibilités écologiquement et socialement épuisantes, l'Afrofuturisme oppose un impossible majeur, une utopie para-humaine, alien, où la technologie devient une technique de l'imaginaire, jouant le rôle de médiation esthétique entre la Terre et les autres planètes, le passé et le futur, l'humain et ce qui lui demeure étranger. Montrant les affinités entre la pensée à l'oeuvre dans l'Afrofuturisme et la philosophie de Walter Benjamin, comparant l'Afrofuturisme à la théorie radicale de l'Afropessimisme et à l'utopie du cosmisme Russe, ce livre veut contribuer à diffuser le message de l'Ange Noir de l'Histoire : si nous voulons éviter l'effondrement écologique auquel l'économie racialisée nous destine, il nous faut une nouvelle révolution copernicienne.

Comment parler de l'intelligence artificielle ? C'est difficile, parce qu'elle parle à notre place. Fondé sur une enquête philosophique précise, ce livre nous invite à analyser le traumatisme anthropologique de l'IA. Notre imagination a été prise en otage par les machines bavardes, qui s'immiscent dans notre vie et décident pour nous. Pour désamorcer cette bombe cognitive qui dessèche l'esprit, Frédéric Neyrat développe une philosophie de l'IA, de son origine jusqu'aux théories contemporaines de la Singularité. Pour conjurer le futur du capitalisme de survie, réapprenons à être libres.

Ces "Scènes de la vie augmentée" entretiennent un rapport oblique au genre littéraire des "scènes de la vie future". Il ne s'agit pas tant ici d'humanité augmentée (exosquelettes, interfaces hommes-machines, environnements interactifs, casques de réalité virtuelle et dispositifs immersifs), que de l'augmentation de réalité que constitue en soi l'existence des images, envisagées dans leur fonction d'interface faisant communiquer des corps et des milieux. Ce livre montre de quelle manière ces images-volumes participent à une augmentation et un allégement de la vie même.

Dans une forêt du Massachussetts, un poids cogne sourdement le fond d'un étang sous la glace. Non loin de là, sur la rive d'un autre étang, un père et son fils jouent du cor et écoutent le son qui se répand sur la surface brumeuse de l'eau. En Russie post-soviétique, deux hommes progressent sur un lac gelé, dans l'espoir d'entendre les cloches d'une ville engloutie. Sur une base de l'île de Ross, en Antarctique, des choeurs bulgares et des synthétiseurs modulaires résonnent sous la calotte glaciaire. À l'opposé polaire, au fond de l'Océan Arctique, un quatuor à cordes joue un hymne épiscopalien sur le pont d'un navire, pendant qu'à Gand, un autre quatuor relaie les échos du naufrage. Ces scènes font émerger un motif dans nos expériences sonores de l'environnement : celui du geste qui consiste à sonder le monde. La pandémie récente a accéléré notre rapport schizophonique à la réalité. Face aux mutations profondes de notre paysage acoustique, devons-nous nous méfier des présences sonores qui nous rassurent et nous connectent, en toute virtualité ? À travers et par l'écoute, la question de la consistance du réel peut encore se poser, question dont les enjeux sont aussi bien philosophiques qu'écologiques. Ce livre propose d'étudier comment y répondent les arts de l'écoute - qu'elle se compose, s'appareille, s'écrive ou se raconte -, quand ils prêtent attention aux sons que rend le monde.

Playlist : Musique et sexualité est constitué de seize essais autonomes, qui explorent tour à tour la musique dans les pratiques sexuelles, et le sexe dans les pratiques musicales. Il se déploie d'une thématique vers l'autre, comme un texte de sociologie de la musique qui virerait insensiblement au texte de musicologie. Quel est aujourd'hui le rôle de la musique dans la vie sexuelle des personnes, la réelle comme la fantasmée ? Quelles sont les représentations de la sexualité dans les oeuvres musicales, celles du répertoire classique comme celles des genres populaires ? Quelle a été, de l'Antiquité à nos jours, la trajectoire historique de ces imbrications ? Comment cette histoire dialogue-t-elle, dans la période contemporaine, avec le devenir marchand de la musique, et avec sa numérisation ? Comment la musique s'insère-t-elle dans l'histoire sonore de la sexualité, ce territoire méconnu des sound studies ? Quelles conséquences cette enquête peut-elle avoir pour repenser les pouvoirs de la musique ? Telles sont les questions que ce livre se propose d'explorer. Chaque chapitre aborde ce vaste domaine à partir d'une entrée singulière, comme une série de variations sur un thème musical, ou une playlist thématique. Ce choix formel fait écho à la diversité des oeuvres concernées : Don Giovanni de Mozart, Tristan et Isolde de Wagner, Lady Macbeth de Chostakovitch sont ainsi revisités, entre autres classiques, tout comme Je t'aime moi non plus de Gainsbourg, L'importante è finire de Mina, ou Erotica de Madonna, entre autres tubes. Plus récemment, la diffusion sur internet d'une music for sex et les dispositifs de recommandation des plateformes de streaming incitent à revisiter la critique adornienne de l'industrie culturelle, les idées de Guy Debord sur les femmes dans la société du spectacle, ou encore l'enquête sur la sexualité de Pasolini dans son film Comizi d'amore.

Cet ouvrage est fait d'un avant-propos fictionnel et de trois textes de structure, de style et d'enjeux volontairement différents. Le point commun de ces textes hétérogènes tient en une question : comment donner voix à ce dont on n'a pas fait l'expérience ? Puisqu'il s'agit bien de "donner voix" plutôt que de rendre compte, les dispositifs d'énonciation font partie des expériences de pensée qui sont ainsi explorées. Un ami marin et philosophe part pour un tour du monde en solitaire sans escale : il prend le large. Un homme ayant subi un AVC se fait cette réflexion surprenante : "je ne suis pas mon corps". Comment reconstituer ces expériences ? En parlant une langue étrangère dans sa langue maternelle, en dérapant le long de lignes de faille sémantiques et symboliques, en mettant en scène des litiges de propriété qui amènent à rencontrer des voisins surprenants, bref en faisant penser le langage. Le troisième texte met un autre type de traduction en scène quand on alloue une voix à un absent, une cité, un animal ou une idée. La prosopopée n'est pas une simple technique rhétorique, mais un enjeu éthique : écouter des voix sans locuteur autorisé, faire s'exprimer un arbre ou une vertu - autrement dit, suivre comment des instances de discours peuvent se distancier de soi-même, prendre le large en quelque sorte, pour mieux se glisser dans des voix autres et des expériences étrangères.

Le Livre dont Jean Baudrillard est le héros répond à un double enjeu. Il est d'abord conçu comme une porte d'entrée vers la pensée de cet auteur inclassable et souvent mécompris dans le monde francophone. L'ouvrage répond au défi suivant : comment peut-on concevoir une initiation à la pensée de Jean Baudrillard, sans passer par le commentaire universitaire, l'exégète classique ou la glose herméneutique ? Comment détourner le savoir totémique des universitaires, qu'il disait lui-même honnir, tout en permettant aux lecteurs et aux curieux de s'approprier sa pensée et ses concepts en douceur ? L'ouvrage reprend le format bien connu des « Livres dont vous êtes le héros », ou fictions interactives qui ont connu un certain succès éditorial notamment auprès des jeunes public, il organise donc une fiction interactive autour de cet auteur en mêlant le biographique au philosophique, l'intime au conceptuel, le propédeutique au burlesque. Trois grandes voies narratives s'entremêlent. D'abord, une première voie permet de naviguer dans la vie de Jean Baudrillard - une vie plus ou moins fictionnalisée, dans la plus pure tradition baudrillardienne. Ensuite, un double fictionnel organise une voie en contrepoint (la question dudouble hante l'oeuvre de Baudrillard). Une troisième voie narrative est plus théorique, abstraite et conceptuelle. Elle permet de se balader dans son oeuvre, en sillonnant de citations en citations, sa philosophie ainsi mise en intrigue. Avec une préface d'Edgar Morin.